ZEPPELIN DISCOS: 2013

GERMAN COPPINI, MUY...MALOS TIEMPOS PARA LA LIRICA

MUY MALAS NOTICIAS ESCUCHE AYER DE MADRUGADA EN LA RADIO, HABIA MUERTO GERMAN COPPINI.

UNA SORPRESA PARA MI QUE NO SABIA LO QUE LEO AHORA EN ALGUN PORTAL DONDE CUENTAN QUE PADECIA UNA ENFERMEDAD.

YO LO ADMIRABA DESDE LA 1ª VEZ QUE LO ESCUCHE, MEJOR DICHO EN SU ETAPA GOLPES BAJOS DONDE CAMBIO RADICAL EL REGISTRO DE SU 1ª FORMACION CONOCIDA, SINIESTRO TOTAL..

SI YO TUVIESE QUE DECIR MI GRUPO FAVORITO DE LOS 80 DIRIA LA BANDA DE COPPINI Y TEO CARDALDA. Y UNA DE LAS MEJORES FOMACIONES DE TODOS LOS TIEMPOS DE ESTE SANTO PAIS

ERAN DIFERENTES A TODOS LOS DEMAS, PERO MUY DIFERENTES AL RESTO QUE NO ME INTERESABAN NADA, ENTRE BANDAS TEÑIDAS DE SONIDOS SINIESTROS DE PANDERETA CLARO ESTA, Y OTRAS QUE ALGUIEN LLAMO MOVIDA MADRILEÑA QUE NO PARABAN DE DAR LA TURRA CON LOS COMPLACIENTES MEDIOS DE COMUNICACION QUE ENCONTRARON SU FILON, SU "PRODUCTO" RENTABLE COMO POCOS Y QUE EXPRIMIERON Y EXPRIMEN SIN PARAR...

COMO DECIA, GOLPES BAJOS ME HICIERON CREER QUE EN ESTE PAIS HABIA TIPOS ORIGINALES, A DESTACAR LO DE ORIGINALES YA QUE EN LA MUSICA , LO SE, ES IMPOSIBLE SERLO..PERO ELLOS TENIA UNOS TEXTOS QUE SALIAN DE CANCIONES TODAS ELLAS MUY ESPECIALES...

ME VIENE POR CITAR ALGUAN LA TITULADA, CENA RECLENTADA..QUE MARAVILLA..CON SU INTRO DE TEO CON EL PIANO EL BAJO POTENTE Y ENTRA LA VOZ DEL GRAN GERMAN COPPINI...ES UN ORGASMOS DE CANCION....EN SERIO ES HERMOSA ..UNA CANCION DE AMOR COTIDIANA CON BROCA EN CASA ....

Y QUE DECIR DE ESCENAS OLVIDADAS..UNA CANCION TOTALMENTE DIFERENTE..MUCHO RITMO CON TOQUE FUNK ..PERO SIEMPRE LA VOZ MELANCOLICA DE GERMAN SIEMPRE IRONICA Y UNA LETRA BESTIAL...UNA JUERGA..Y COMO EL DICE ..."NO SE AMA A LOS SUMISOS SIMPLEMENTE SE LES QUIERE"

TIENE MUCHAS OBRAS MAESTRA COMO, NO MIRES A LOS OJOS DE LA GENTE QUE HOY EN DIA ME SIGUE EXTREMECIENDO..QUE MARAVILLA.. QUE EMOCIONATE, Y DE NUEVO QUE TEXTO Y COMO LO CANTA..

Y ASI SEGUIRIA SIN PARAR DESTACANDO TEMAS Y TEMAS...SOY UN FAN O MEJOR UN FANATICO DE UNA DE LAS MAS GRANDES Y MAS MENOSPRECIADAS FORMACIONES COMO FUE GOLPES BAJOS CON UN CANTANTE Y COMPOSITOR MUY,,MUY ESPECIAL...LA BANDA SE JUNTO DESPUES DE 10 AÑOS Y EN 1998 SACO OTRA MARAVILLA LLAMADA, VIVO GOLPES BAJOS...A LA QUE JUANMA BAJO ULLOA RODO UNA PELICULA DE LA PUESTA EN ESCENA DE LOS TEMAS, ALGUNOS DE ELLOS NUEVOS Y SOBRESALIENTES COMO SUSANA,

NO QUIERO OLVIDAR OTRA GEMA COMO EL TEMA DEDICADO A PEPITO GRILLO.. QUE SURGE DE LA COLABORACION DE Germán Coppini & Nacho Cano, FUE EN 1986 EN UN MAXI YA DE COLECCIONISTAS Y QUE YO COMPRE EL DIA QUE SALIO..QUIEN PODIA HACER UNA CANCION A PEPEITO GRILLO SI NO GERMAN COPPINI ,TEMA LLENO DE POESIA Y MELANCOLIA A RAUDALES..

GERMAN, NO PUDE NUNCA VERTE EN CONCIERTO PERO CONOCI Y TRATA DURANTE AÑOS CON TU HERMANO QUIEN ORGANIZABA LA FERIA DEL DISCO DE SANTANDER JUNTO CON SU COMPAÑERA MAR , FERIA A LA QUE YO ASISTE MUCHOS AÑOS... CON ZEPPELIN DISCOS

TAMBIEN EL, DE SORPRESA FALLECIO HACE UNOS AÑOS, HABLABAMOS SIEMPRE DE TI Y EL ME DECIA QUE LE DIERA MIS DISCOS PARA QUE ME LOS FIRMASES PERO POR UNA COSA POR OTRA NUNCA SE LOS DI.

MI ULTIMO RECUERDO SE QUEDA EN QUE DURANTE AÑOS, EN AQUELLOS 80 DE LOCURA EN EL MITICO BAR PRIMI DE PAMPLONA SE PONIA EL TEMA COME PRIMA PARA HECHARNOS A TODOS LOS CLIENTES DE MADRUGADA A ESCOBAZOS MIENTRAS LOS CAMATAS LUCHABAN POR ECHARNOS A LA CALLE NO ANTES DE LAS 3 DE LA MADRUGADA..EN FIN...RECUERDOS YA...

SIEMPRE LLEVARE TU MUSICA CONMIGO Y PASARE LOS RESTOS DICIENDO A TODO EL MUNDO QUE GERMAN FUE UN MUSICO COMPLETO, LLENO DE FANTASIA,IRONIA,MELANCOLIA,REFLEXIONES Y QUE MARCO A MILES DE CHAVALES COMO YO HACIENDONOS MUY FELICES ESCUCHANDOLE,

BUEN VIAJE
ZEPPELIN

Muere a los 68 años Fernando Argenta, presentador de ‘Clásicos populares’

El divulgador musical Fernando Martín de Argenta Pallarés ha fallecido hoy a los 68 años. Nacido en Madrid en 1945, fue reador, director y presentador de Clásicos populares, en Radio Nacional y El conciertazo, en Televisión Española. Argenta, cuarto de cinco hermanos, fue el único hijo varón del director de orquesta Ataulfo Martín de Argenta, fallecido en enero de 1958, y de la pianista Juanita Pallarés.
Cursó la carrera de Derecho en la Universidad Complutense de Madrid, gracias a una beca que le concedió la orquesta Suisse Romande. Además, poseía estudios de grado superior de Música de piano y armonía, realizados en el Real Conservatorio de Madrid, pero los dejó a falta de los dos cursos de composición.
Fernando Argenta perteneció en los años sesenta al grupo de rock Miky y los Tonys, en que el tocó la guitarra, y, posteriormente, comenzó a dirigir orquestas, en un principio para escolares y a partir de noviembre 1981 para público adulto. En 1971 entró a formar parte de la plantilla de Radio Nacional de España, donde realizó múltiples programas, entre los que destacan: Circuito nocturno, Nocturno español, Madrugada y Para los jóvenes.
Pero fue con Clásicos populares, cuyas emisiones inició el 13 de abril de 1976, con el que consiguió gran relevancia por el lenguaje cercano y ameno que utilizaba para divulgar la música clásica. Argenta compartió micrófono con Beatriz Pecker, José Manuel Rodríguez Rodri y Araceli González Campa, desde abril de 1984 hasta su prejubilación en febrero de 2008.
En noviembre de 1986 fue nombrado director de Radio-3 de Radio Nacional de España, cargo que desempeñó durante dos años. Y en octubre de 1988 se hizo cargo de la dirección de Radio-1, de la misma emisora, donde solo se mantuvo unos meses y en el que le sustituyó Alicia Fernández, en febrero de 1989. Más arde, regresó a la dirección y presentación de Clásicos populares, espació que tenía registrado.

Para todos La 2 - Fernando Argenta

Compatibilizó esta tarea con la dirección de conciertos para niños, y en 1994 con la de asesor musical de la serie de dibujos animados para TVE La Banda de Mozart (1994) y la dirección y presentación Zarzuelas en las calles de Madrid.
En 1996, al cumplirse el vigésimo aniversario de Clásicos Populares, RTVE sacó al mercado el primer disco que lleva el nombre del programa, al que le siguieron en años sucesivos otros discos, algunos de los cuales obtuvieron varios discos de platino. Desde el 4 de marzo de 2000, presentaba y dirigía también en La2 de TVE el espacio El conciertazo, dirigido a los niños y en el que explicaba el significado de la música clásica con la interpretación de piezas y la puesta en escena de elementos de la danza.
Afectado por un expediente de regulación de empleo en RTVE, en diciembre de 2008 dejó el grupo de comunicación estatal, aunque entonces reconoció que le hubiera gustado continuar al frente de estos espacios (32 años en Clásicos populares y nueve en El conciertazo), de los que también realizó sendos libros en 1998 y 2008, respectivamente.
Desde el 10 de abril de 2008 era director artístico de la Fundación Magistralia, creada en 2000 para la promoción y la difusión de la música clásica y el jazz, puesto en el que sucedió a Emilio Aragón. Además, era miembro del jurado que otorga el Premio Príncipe de Asturias de las Artes desde la edición de 2001.

más información

Junto con su amigo y compositor Fernando Arbex, el 15 de julio de 1998 dirigió a la Orquesta Filarmónica de Londres en la grabación del Belén 2000. Himno de la Vida, encargado por el líder palestino Yaser Arafat para la celebración del año jubilar.
El poema sinfónico fue estrenado mundialmente el 1 de julio de 2000 en la localidad segoviana de Pedraza, ocasión en la que Argenta compartió la batuta con Max Bragado al frente de la Sinfónica de Castilla y León y el Orfeón Donostiarra.
En 2010 presentó su libro Los clásicos también pecan, en el que acercó la vida privada de 13 grandes genios de la música clásica, y en 2011 Pequeña historia de la música, con ilustraciones de Jvlivs. Asimismo, consiguió varios premios por Clásicos Populares, entre ellos el Ondas de Radio 1980, el Jean Antoine Triumph Varietè de 1978, la Antena de Oro de Radio de 1988, el Ondas Internacional de Radio 1991 y el galardón al mejor Programa Infantil de los Premios de la Academia de la Televisión de 2007.
En diciembre de 2003 el Gobierno le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. El 22 de agosto de 2013, en una entrevista con Efe, reconoció su "frustración" porque el nombre de su padre se iba olvidando, y por la ignorancia que hay sobre la fulgurante carrera de director de orquesta que pudo haber tenido si la muerte no la hubiera truncado.

Antonio Fernández Arias, gran profesional de la radio musical

Antonio Fernández Arias, periodista radiofónico.

Me entere hace un par de dias de la triste noticia y recorde las horas y horas que me acompañaste ,muchas de ellas conduciendo sobre todo mi furgoneta y disfrutando siempre de tu conocimiento y esa maestria en hacer que nos interesaramos por la musica que pinchabas siempre con una elegancia que nunca habia escuchado nunca.

Tu voz y manera de introducir los temas siempre me causo una envidia inmensa para uno como yo que hizo sus pinitos en este medio de la radio, tu diccion perfecta, tus siempre certeras descripciones y abjetivos para describir a muchos de esos autores que pinchabas emocionado, casi todo ellos musicos desconocidos por estos lares y que mezclaban el jazz,el soul,funk,. ....esa fusion que tu fuiste el responsable de que se quedase para siempre en este pais desierto de tantas y tantas musicas..

Recuerdo en los 90 cuando estaba en mi tienda DISCOS ZEPPELIN y contacte con un distribuidor que me decia que su sello tenia la musica que ponia en su programa de AREA RESERVADA ANTONIO FENANDEZ, en efecto, asi era, estube algun tiempo vendiendo aquellos musicos y cantantes que me deslumbraban por su producciones perfectas..con increibles voces y sonidos...que

me dejaban helado.

Cada dia lanzaste por las ondas lo que yo llamaria temas-delicatessen para llenar nuestros oidos de musica fantastica y que tu sembrastes y regaste durante tantos años consiguiendo a miles de seguidores que te recordaremos siempre,

buen viaje maestro, a esa AREA RESERVADA donde Boz Scaggs, Madeleine Peyroux, Diana Krall, Michel Camilo, Toto, George Benson o Al Di Meola nunca dejan de sonar

ZEPPELIN

***************************

En la noche del pasado lunes, un infarto agudo acababa con la vida de Antonio Fernández Arias (Lugo, 1953), gran profesional de la comunicación que se dedicó especialmente a la radio musical, a cuyo desarrollo contribuyó decisivamente en los últimos cuarenta años.
Antonio Fernández Arias se licenció en Historia del Arte, pero nada más acabar la carrera en la Universidad Complutense, ingresó en la vieja Radio Juventud de España de la calle Diego de León de Madrid, una emisora proveniente del más recio falangismo que en los últimos años setenta supuso, paradójicamente, todo un revulsivo progresista en los modos y maneras de hacer radio musical y cultural. Allí recalamos unos jovencísimos estudiantes que como Juan Ramon Lucas, Paco Pérez Bryan, Federico Volpini, Carlos Garrido o Elena Lobo, aspirábamos a desarrollar nuestra vocación inventando programas y contenidos que obtuvieron de inmediato la aceptación de la audiencia.
Antonio se había contagiado del veneno de la radio por el trabajo de su padre, Ernesto Fernández, que le sobrevive, director de la emisora de Ponferrada y descubridor de un joven que velaría en aquellas ondas sus primeras armas radiofónicas hasta llegar a convertirse en un referente tan grande como su propia estatura. Ese chico era Luis del Olmo quien, nobleza obliga, nunca ha dejado de agracerle a su antiguo director la apuesta que realizó en días inciertos en los que su futuro profesional estaba aún por escribir.
En Radio Juventud Antonio, como todos nosotros, hizo guiones, control, producción y, finalmente, micrófono. Le encomendaron el turno de la mañana y tituló su programa de acuerdo con su horario laboral: De 9 a 2. Al poco tiempo una sección de ese macroespacio cobró vida propia y su lista de éxitos basada en una calidad incuestionable, se convirtió en un emblema de la emisora durante muchos años, Selección 15. Después vendría El cubo mágico, programa emitido por Radiocadena Española en el que trabajaban también Julio Ruiz, Manolo Fernández y Rafa Fuentes, entre otros grandes profesionales, y más tarde una interesante experiencia televisiva de la mano de Pedro Erquicia cuando este ocupaba la dirección de Telemadrid, Capital Pop.
Tras su etapa en la pantalla pude contribuir a su vuelta a RTVE y reingresó en RNE haciéndose cargo, en Radio 3, de Área Reservada, un espacio diario que mantuvo en antena hasta su absurda prejubilación forzosa por el ERE de 2007. Si hubiera que resaltar dos cualidades de Antonio Fernández señalaría, sin duda, su elegancia ante el micrófono y la solvencia que siempre imprimió a todos y cada uno de los proyectos que desarrolló. Dotado de unos conocimientos musicales extraordinarios, fue el impulsor en España de artistas como Boz Scaggs, Madeleine Peyroux, Diana Krall, Michel Camilo, Toto, George Benson o Al Di Meola, por citar solo a unos pocos de los que formaron parte de la alineación fija de sus espacios en las ondas.
Últimamente, retirado de la implacable cita diaria con el directo, volcaba su actividad en la realización de excelentes programas online para Radio Wappa y en una web prodigiosa llamada Top Vive Jazz. Había que escucharle cómo contaba entusiasmado las excelencias de los programas digitales de grabación con los que había convertido su casa en su estudio de radio diseñado a su medida.
Antonio deja a su mujer, Elena Pita, periodista de TVE, y dos hijos, aún muy jóvenes, que habrán de saber con orgullo la huella indeleble que la muerte de su padre deja, tanto en el dial, como en el corazón de quienes nos honramos con ser sus amigos.
Antonio San José es periodista.

Muere Lou Reed, la voz salvaje del rock

ver fotogalería

Lou Reed, quien fue líder de The Velvet Underground, sobre el escenario. / Michael Ochs Archives

Fue el icono del rock salvaje e intelectual, el músico que, con su voz chula y su mirada sin fondo, hizo añicos la camisa de fuerza de los convencionalismos y la moral de la rígida sociedad norteamericana de segunda mitad del siglo XX. Fue el vicio y la soledad, el exceso y el nihilismo, el delirio y la cruda realidad. Fue, simplemente, Lou Reed, el poeta de verso afilado como una navaja, y eso es hablar de una de las partes más apasionantes e influyentes de la historia de la música popular.
Pero el eterno espíritu inconformista e independiente ha muerto. La revista musical Rolling Stone avanzó que el cantante neoyorquino había fallecido a los 71 años edad. Poco después, su agente británico, Andy Woolliscroft, confirmó la noticia. El músico había recibido un trasplante de hígado en mayo, del que se estaba recuperando, pero se desconocen por ahora las causas del fallecimiento.
Su muerte supone un duro adiós para los aficionados al rock. Porque Reed era una de las voces más célebres de la historia de la música, autor de una obra en solitario excelsa y nada convencional, pero también conocido y respetado por ser el fundador de The Velvet Underground, una de las formaciones más influyentes de todos los tiempos, verdadera banda rupturista en el arte musical.
Nacido en marzo de 1942 en el barrio de Brooklyn, Reed era un genuino neoyorquino, que creció bajo la influencia de los vibrantes sonidos del doo-wop y el rhythm blues que inundaban las calles de Nueva York, siendo Frank Valli & The Four Seasons una de sus formaciones de cabecera. Amante de la literatura, pronto mostró gran interés por las letras. En la Universidad de Siracusa, conoció al poeta Delmore Schwartz con el que entabló una buena amistad e impulsó su pasión por la lírica. Reed era el típico estudiante que cuando le decían siéntate, él se levantaba, pero tenía el talento para rastrear las sensaciones de su entorno. Y, por eso, fue diferente.
Esa combinación musical y literaria forjaría la personalidad indescifrable de un adolescente de carácter introvertido y problemático, que fue sometido a terapias de electroshock por su familia y que encontraría en el rock’n’roll, como tantos jóvenes, su vehículo de escape pero también su lugar de identificación. En 1964, instalado en Nueva York tras su paso universitario, fundó, junto con John Cale, The Velvet Underground, la banda apadrinada por el artista plástico y cabecilla de la modernidad estadounidense, Andy Warhol. A ellos se unieron Sterling Morrison y Maurren Tucker.
El grupo nació como una formación de rock de vanguardia en tanto en cuanto rompieron con todo. Literalmente, lo hicieron: rompieron, y su paso revolucionario lo llevaron a golpe de guitarras estridentes, viciadas en su rock primitivo, y ofreciendo unas estampas urbanas desoladoras y salvajes, donde se le dedicaba una canción a la heroína y se hablaba sin cortapisas de los excesos de la vida trasnochadora. Las cosas como son: Lou Reed dejó a John Lennon, Bob Dylan o Mick Jagger como auténticos niños buenos. Porque el universo de la Velvet, plasmado en su primer e irrepetible álbum The Velvet Underground & Nico con la famosa portada del plátano de Andy Warhol, era un mundo lleno de sórdidas vidas que sonaban en el reproductor musical como un puñetazo en la mesa, como un chutazo de rock y poesía, que hacía caerse como un castillo de naipes los preceptos puritanos y bien pensantes de la sociedad norteamericana de los sesenta. Si Dylan o los Beatles liberaban tu mente, la Velvet de Reed te la hacían estallar. Y era casi imposible ser la misma persona después de escuchar canciones como Heroin.

Pero la repercusión de la banda neoyorquina por excelencia apenas salió de los clubes nocturnos de Manhattan. Para el negocio, eran como un tiro en el pie. Pero su influencia fue descomunal. El punk neoyorquino liderado por The Ramones o Richard Hell le deben casi todo, pero también tantas generaciones de músicos independientes de los ochenta y los noventa. Tras despedir a Warhol y a Nico, la cantante que Reed detestaba, el compositor se hizo más influyente en el grupo y salieron White Light/White Heat, The Velvet Underground, el álbum que más tenía su sello, y Loaded. Pero en 1971 se iría del grupo para tirar por su cuenta.
En 1972, empezó su carrera en solitario con un disco que llevaba su nombre pero no fue hasta la publicación de Transformer, ese mismo año, cuando volvió a darle la vuelta al concepto de canción rock, con la recreación de su mundo de travestis, drogadictos y desamparados de ciudad. Una obra maestra, que se desarrolla como un paseo por el envés del sueño americano. A este trabajo pertenecen Vicious, A perfect day y Walk on the wild side, posiblemente su canción más conocida. Con este disco, como una afrodita atómica, se convirtió en estandarte del futuro glam-rock. David Bowie o Marc Bolan no tardaron en reivindicarle. El fracaso comercial más estrepitoso llegó con Metal machine music, que sin embargo la historia ha situado como bastante influyente en bandas como Sonic Youth, mientras que su halo de poeta del underground ganó en brillantez con el álbum Coney Island baby.

En 1976 abandonó la discográfica RCA y firmó con Arista, con la que buscó una nueva imagen y un nuevo sonido con discos como Street Hassle o The bells, sin lograr grandes ventas pero sí recuperó su reputación artística. En los ochenta regresó a la RCA en una nueva etapa más reflexiva y pausada con discos como The blue mask, New Sensations y Mistrial. Pero fue en 1989 cuando volvió a dar muestras de un talento compositivo de primer nivel con la publicación de New York, otro retrato oscuro e impactante de la ciudad que nunca duerme.
En 1992, sacó Magic and loss; en 1996 Set the twilight reeling, producido por él mismo, y en 1998, Perfect night live in London, un magistral álbum grabado en directo en Londres en julio de 1997, en el que hace un recorrido por su carrera. En 2000 presentó Ecstasy y un libro que reunía todas las letras de sus canciones titulado Past Thru Fire. En ese año estrenó POEtry, basado en cuentos de Allan Poe, poeta al que admiraba. Se convirtió en espectáculo musical en 2003 en The raven, donde colaboraron David Bowie y Laurie Anderson, su compañera sentimental, entre otros. Siempre inquieto artísticamente y muy interesado en la meditación, tuvo otras aficiones como la fotografía, que comenzó a desarrollar en los setenta durante sus largas giras, y bajo la influencia, según reconocía, de Andy Warhol, Billy Linich y Wim Wenders.
Tenía fama de huraño, capaz de matar al entrevistador con la mirada si se sentía incómodo con las preguntas. También de ser un hombre imposible desde edad adolescente, manipulador e imprevisible, de trato muy difícil. Incluso en los últimos años no paraba de ganar detractores por sus últimas propuestas artísticas, tan alejadas de sus primeras señas de identidad, como el vilipendiado disco Lulu, que grabó con la ayuda de Metallica. Pero Lou Reed era un icono, un gran enigma, cuyo pasado avalaba ya todo lo que sucedía entorno a su figura. Porque Lou Reed representaba el lado salvaje, el intelecto aplicado a la quimera de las calles y las noches sin fin ni rumbo. Simbolizaba, a fin de cuentas, como nadie, la poesía del perdedor.

Philip Chevron, renovador del ‘folk’ irlandés

Philip Chevron, durante un concierto en Nueva York. / GETTY

Se consideraba a sí mismo irlandés, católico, homosexual y punk. El guitarrista y cantautor Philip Chevron, fallecido el martes por un cáncer de esófago que arrastraba durante años, era también amante de los espectáculos musicales de entreguerras, de James Joyce y de The Clash, de la baladas ancestrales de su país y de Elvis Costello. Sobre todo, Chevron (nacido Philip Ryan en 1957) era conocido por ser el guitarrista de The Pogues, esa atípica formación que revitalizó en los ochenta el folk irlandés con un insólito híbrido de tradición y maneras cercanas al punk.
Originario de Santry, suburbio al norte de Dublín, era el único de los miembros de la primera formación de la banda nacido en el país que reivindicaban. Hijo de un promotor teatral y nieto de un supuesto militante del IRA, como guitarrista y vocalista de The Radiators From Space abanderó en Dublín un movimiento, el punk, de difícil encaje en la sociedad ultraconservadora irlandesa de mediados de los setenta. Si las consignas anarquistas de grupos como los Sex Pistols escocieron en Londres, gritar en algunos de sus conciertos ¡cristianos, atracadores! tuvo que molestar aún más a la poderosa cúpula de la Iglesia Católica.
El grupo acortó su nombre por The Radiators cuando se instalaron en Londres: ya eran, casi sin advertirlo, la primera banda de punk irlandesa y los encargados de abrirle las puertas del mercado británicos a otros artistas como Boomtown Rats o, incluso, los mismos U2. Chevron desconfiaba de los ambientes más cercanos al nuevo género. Prefería la compañía de desterrados como él, jóvenes que acudieron a la llamada del punk de una ciudad, Londres, mucho más vibrante y cosmopolita que la conservadora Irlanda.
Con The Radiators ideó en 1979 un álbum conceptual que ahondaba en esta idea: Ghostown, a medio camino entre la nueva ola y James Joyce, profundizaba en la sensación de aislamiento de la juventud dublinesa… pese a grabar el disco en estudios londinenses con el productor Tony Visconti -mano derecha de David Bowie desde hacía años-. Tras la aventura, se une en 1985 al proyecto de un vocalista y compositor hijo de inmigrantes irlandeses: el carismático Shane MacGowan le propuso formar parte de The Pogues, un combo de británicos que a base de acordeón, flauta, melodías tradicionales y actitud punk se propuso reanimar el folk de la isla vecina. Su primer cometido fue tocar el banjo, instrumento desconocido para él, en una de sus primeras giras.
Su explosiva combinación de rock y folk llamó la atención de bandas como The Clash y ya no abandonaría The Pogues hasta, casi, sus últimos días, ya asentado como guitarrista del grupo. Participó en sus discos más celebrados, Rum, sodomy and the lash, producción de 1985 de Elvis Costello y en If I should fall from grace with God, de 1988. Para este disco compuso la canción Thousands are sailing, postal amarga sobre los emigrantes irlandeses que, en tiempos de hambruna, llegaban en masa a los Estados Unidos.
Las canciones protagonizadas por hombres alcohólicos y todo tipo de situaciones, más o menos violentas, regadas por el whisky o la cerveza presagiaron la situación que vivió la banda en los noventa: un Shane MacGowan cada día más errático y adicto fue expulsado del grupo en 1991. Tres años después, Phil Chevron, con problemas en el hígado dejaría el grupo, disuelto poco después.
Desde 2001 se sucedieron las giras de reunión, de nuevo con su formación más reconocible, especializadas en conciertos navideños y en el día de San Patricio para las colonias irlandesas de Estados Unidos. Con cáncer desde 2006, Chevron formaba parte de las celebraciones cuando su salud se lo permitía. Tras décadas de estragos, mantenían su discurso intacto.

VINYL ART

Muere a los 74 años J.J. Cale, uno de los músicos más influyentes del rock

OTRO DE LOS NUESTROS QUE COJE EL TREN PARA DIRIGIRSE AL PARAISO ....

QUIEN NO ACABO ATRAPADO POR SU SEDOSA VOZ DESDE LA PRIMERA VEZ QUE LO ESCUCHAMOS...

TODO UN PERSONAJE QUE NO APARCIA EN LAS CARPETAS DE SUS DISCOS, DEL QUE APENAS HABIA IMAGENES DE SUS CONCIERTOS, DEL QUE CUENTAN QUE EN OCASIONES TOCO DE ESPALDAS AL PUBLICO.

GRANDIOSO COMPOSITOR QUE VIVIO DE LOS DERECHOS DE AUTOR DE QUIENES HACIA FAMOSOS SUS TEMAS...UN TIPO UNICO QUE REPRESENTABA LA AUTENTICA VIDA DEL MUSICO ESCURRIDIZO,FUERA DE SHOW BUSSINESS QUE NUNCA LE ROZO.

BLUES SENSUAL Y DELICADO QUE SEGUIRA EMOCIONANDONOS.

zeppelin

El cantante y compositor estadounidense J.J, Cale falleció el viernes a los 74 años tras sufrir un ataque al corazón, según ha informado el presidente de su agencia de contratación. El artista murió en el Scripps Memorial Hospital de La Jolla, Californ

ALBERTO LEÓN 27.07.2013
El cantante y compositor estadounidense J.J, Cale falleció el viernes a los 74 años tras sufrir un ataque al corazón, según ha informado el presidente de su agencia de contratación. El artista murió en el Scripps Memorial Hospital de La Jolla, California, según informa su página web.

"J.J. Cale era querido por fans del mundo entero por su música hermosa y falta de pretensiones", ha asegurado Mike Cappus, presidente de la agencia Rosebud. "Le quisieron aún más quienes tuvieron contacto con una de las personas más auténticas y prácticas que conocimos", ha añadido el manager.

Nacido en Oklahoma en 1938, Cale está considerado como uno de los músicos más influyentes del rock. Suyos son grandes éxitos que popularizaron otros artistas, como Call Me The Breeze (Lynyrd Skynyrd), Cocaine o After Midnight (Eric Clapton).

A pesar de no ser un artista de éxito masivo, Cale se ganó a lo largo de su carrera el respeto del público y, sobre todo, de otros músicos. Así, Eric Clapton dijo de él que era la persone viva que más admiraba y Neil Young aseguró que, de todos los guitarristas que había escuchado, “Jimi Hendrix y JJ Cale eran los mejores”.

Y es que JJ Cale está considerado como uno de los pioneros del llamado ‘Tulsa sound’, una mezcla de blues, country, rockabilly y jazz.

Sus primeros pasos los dio en los años 60 como miembro de diferentes bandas en su Oklahoma natal, como Johnnie Cale and The Valentines. Pero entonces decidió trasladarse a Los Ángeles para probar suerte como músico de estudio.

Eric Clapton cambió su suerte

En 1970 fue contratado para acompañar al dúo Delanie & Bonnie, con el que colaboraba esporádicamente Eric Clapton, quien escuchó una de sus maquetas, ‘After Midnight’. El guitarrista decidió incluir el tema en su primer disco en solitario, lo que supuso un espaldarazo para el músico.

Este impulso fue suficiente para poder publicar su primer disco, "Naturally", editado en 1971 por el sello Shelter, propiedad del músico Leon Russell.

El disco fue el primero de varios trabajos que, sin ser superventas, fueron convirtiéndose en pequeños clásicos del rock: "Really" (1972), "Okye" (1974) y, sobre todo, "Troubadour", donde aparecía uno de sus temas más populares, Cocaine, que inmortalizaría de nuevo Eric Clapton.

Posteriormente llegarían "5 " (1979), "Shades" (1981). "Grasshopper" (1982), "8" (1983), "Travel-Log" (1990), "Number 10" (1992), "Closer to You" (1994), "Guitar Man" (1996) y "To Tulsa and Back" (2004).

Pero en 2006, de nuevo de la mano de Eric Clapton, el nombre de J.J. Cale volvió a ser reconocido por el gran público tras la grabación de "Road to Escondido", un disco conjunto con el que Cale y Clapton ganaron el premio al mejor álbum contemporáneo de blues en los Premios Grammy.

La calidad de sus composiciones atrajo a artistas tan diferentes como Johnny Cash, Freddie King, Santana, Lynyrd Skynyrd, The Allman Brothers o Captain Beefheart, que grabaron temas suyos.

Pero además, su peculiar estilo de tocar la guitarra influyó en generaciones de guitarristas, que se quedan sin uno de los grandes referentes del country-rock de los últimos 40 años.

FOTOS DE PASADO FESTIVAL MINNUENDO JUNIO 2013

PAATOS

A LIQUID LANDSCAPE

FESTIVAL MINNUENDÖ 2013 / Sábado 15 de Junio

Que tal…

…otro año mas y como siempre, os mandamos el cartel y un poco de información, de lo que será esta Décima Edición del Festival Minnuendo…

Abrirán esta nueva edición, los Holandeses A LIQUID LANDSCAPE, presentando su reciente trabajo “Nightingale Express”, un disco con un sonido muy personal, que seguro gustara a seguidores de Bandas tan experimentales, como Porcupine Tree o Pain of Salvation…

Los Suecos PAATOS, serán los encargados de cerrar la noche, una Banda en continua evolución musical, su concierto será un repaso a toda su discografía, desde sus comienzos con “Timeless” hasta los recientes “Breathing” o “V”..., Oportunidad única de ver juntas a estas Bandas, en el que será, será su primer concierto en nuestro país…

MINNUENDÖ 2013

Sábado 15 de Junio, 20:00Horas

AUDITORIO de PERALTA (Navarra)

PAATOS

A LIQUID LANDSCAPE

PUNTOS DE VENTA:

Puntos habituales TICKETMASTER o en http://www.ticktackticket.com/entradas/goto.do?claves=.56268

Festival Minnuendö 2013 - Sábado 15 de junio - 20:00 horas
Lugar: Auditorio de Peralta (Navarra)
Entrada anticipada: 25 € más gastos de distribución.
Venta de entadas Ticketmaster
Entradas en Taquilla: 30€
Niños acompañados de un adulto con entrada: GRATIS.

Ahí tenéis unos videos, por si los queréis ver en acción:

http://www.youtube.com/watch?v=y-JoHiD_MrY

http://www.youtube.com/watch?v=UMQ6m6UDRdY

http://www.youtube.com/watch?v=pAmqnYmJ7Og

http://www.youtube.com/watch?v=Rh0jHFly6Gk

Podéis reenviarlo a quien creáis le pueda interesar…

Un saludo y ojala podáis acudir, seguro que os gustara!!

Asoc.Minnuendö

Ray Manzarek, el órgano esencial de The Doors

Todos los grupos tienen su mito fundacional y el de los Doors parte de Venice Beach, entonces un apéndice bohemio de Los Ángeles. Allí, en 1965, se encontraron Jim Morrison y Ray Manzarek, que se conocían por haber coincidido durante tres años en la UCLA, estudiando cinematografía. Pero Hollywood era un castillo inexpugnable y ellos no tenían paciencia para el meritoriaje. Morrison le canturreó algo que había compuesto, “Moonlight drive”. Y tenía más, aseguró. La idea saltó inmediatamente: “hagamos un grupo”.
Desde el principio, The Doors sonaban diferentes. El trío instrumental tenía algo de banda de club nocturno, de animadores del hall de hotel: estilemas de jazz y bossa nova. Y el órgano: en vez de un aparatoso Hammond, Manzarek prefería un Vox, fácilmente transportable. Fue Ray quién, tras una experiencia frustrante con una bajista, sugirió que podía suplir la ausencia del bajo, como lo hacían los entonces populares tríos de órgano jazzístico.

Manzarek, nacido en Chicago en 1939, pertenecía a una familia de origen polaco que insistió en que tomara clases de piano. Ese bagaje le iba a servir en la aventura de los Doors, igual que su curiosidad intelectual: había estudiado meditación trascendental en un centro de Los Ángeles, donde conoció a John Densmore, su futuro baterista.
Para bien y para mal, los Doors no se parecían a nadie. Podían ser pretenciosos, desde luego, y no ayudó el creciente alcoholismo de su carismático vocalista. Hablaban la lingua franca del momento, el blues de Chicago, pero su discurso no se quedaba en Howlin' Wolf y Muddy Waters: estaba salpimentado con referencias a Godard y Nietzsche, Husley y Brecht. De éste último tomaron una desgarrada canción a la que puso música Kurt Weill: Alabama song, perteneciente a la ópera Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny.

La dramática historía de The Doors es bien conocida. Esencialmente, fue una serie de malabarismos entre los compromisos de una banda de éxito y la beoda voluntad subversiva de Morrison. Tras la misteriosa muerte del cantante en 1971, los instrumentistas intentaron lo imposible: mantener el grupo sin su llama sagrada. Sólo duraron dos penosos discos, donde Ray cantó y tocó incluso guitarra.
Todavía un treintañero y con muchas inquietudes, Manzarek fue el más activo de los supervivientes. Dirigió el grupo Nite City en los setenta y editó discos bajo su nombre. Le distinguía su entusiasmo: consiguió que el suspicaz Carl Off le permitiera modernizar su Carmina burana, en complicidad con Philip Glass. Muy sociable, trabajó con bandas de discípulos, como X, aspirantes a sintetizar un nuevo sonido de Los Ángeles.
La mitificación de los Doors se inició con el uso de “The end” en Apocalypse now (1979), aceleró al año siguiente con la publicación de No one here gets out alive, biografía de Danny Sugerman, un asociado del cuarteto, y culminó con The Doors (1991), el biopic de Oliver Stone.
Allí fue cuando el fenómeno se desbocó. De repente, The Doors eran un negocio mucho mayor que en los sesenta. Debieron contratar a un mánager para que gestionara la avalancha de propuestas. Por ejemplo, quince millones de de dólares por usar el torrencial “Break on through” en un anuncio de Cadillac. Todos querían firmar, antes de que la agencia cambiara de opinión. Excepto el baterista, John Densmore, que bloqueó el acuerdo recordando la ira de Jim Morrison cuando se quiso hacer algo parecido.
De la misma forma, Densmore impidió que sus compañeros volvieran a girar como The Doors; tuvieron que recurrir a variaciones sobre ese nombre. El asunto, como no, llegó a los tribunales, donde prevaleció la postura irreductible del baterista. Que sí permitió la publicación de abundantes directos que reflejaban la turbulenta existencia del cuarteto: desde la frialdad del escaso público de San Francisco que acudió al club Matrix en 1967 a los alborotos incitados por un Morrison mesiánico. Hoy, los Doors son un grupo perfectamente documentado, con documentales y una extensa bibliografía.
También Manzarek llevó al papel sus recuerdos, con Light my fire: my life with The Doors (1998). Posteriormente, publicaría una novela, The poet in exile, a partir de la leyenda que asegura que Morrison fingió su muerte para vivir una existencia anónima. Ray asumió su papel de portavoz del grupo y colaboró con artistas iluminados, como Patti Smith o Iggy Pop. Estaba abierto a experimentos interculturales o trabajos que prestaban atención a la poesía.
Con su mujer de siempre, Dorothy Fujikawa, se instaló en el Valle de Napa, la zona vitivinicola del norte de California. Cuando le detectaron un cáncer en la vesícula biliar, probó diferentes tratamientos. Estaba internado en un hospital en Rosenheim, en Alemania, cuando el lunes le alcanzó la muerte.

MUERE ALFREDO LANDA

que putada mas grande, me acabo de enterar que a fallecido alfredo landa.

lo admiro muchisimo, desde siempre..y me he pasado la vida discutiendo con todos los que dudaban de que en este pais no hubiese actores de la talla de los americanos, !! por supuesto que si !!

el mejor cine que se a fabricado esta en el italiano y el español, al menos para mi asi es..con actores y peliculas me an engachado como pocas cosas.

alfredo era muy grande, un todoterreno que paso de seguir a suecas en bañador a hacer de detective, era un comico en letras mayusculas, un actor creible que es lo mas grande que se le puede decir a un actor.

pequeño,bajito y moreno, asi como describian a los españoles que emigraban a elemania.. recordar aquellas peliculas en las que hacia de pueblerino que llega a la gran ciudad o como recitaba el condenado, que maravilla de actor, sin un fisico que lo ayudara y convirtiendose en el tipo que mas a ligado del cine.

yo sigo emocionado por la noticia y en mi menta pasan las imagenes de la vaquilla, los santos inocentes, los que tocan el piano, el crack, el bosque animado y muchas mas.....

como fernando fernan gomez, jose luis lopez vazquez, manuel alexandre o agustin gonzales, ya no tienen recambio, ellos fueron actores unicos y que nos hicieron pasar horas de felicidad y reflexionar sobre tantos y tantos temas...que nos formaron lo que somos.

almenos yo intente aplicarme cada vez que los escuchaba y veia en sus cientos de trabajos.
nunca podre pagarles y agradecerles lo feliz que me hicieron , sigo en deudad con ellos y eso me hara seguir dando la lata ensalzando sus personas a todo el que se me acerque.

zeppelin

Muere Richie Havens, el cantante que abrió el Festival de Woodstock

para mi richie havens fue uno de los primeros musicos que me pego un trallazo cuando lo escuche por primera vez.

como muchos otros lo descubri con el disco del festival de woodstock, mi primer triple y no al alcance de cualquiera poseerlo, me costo lo mio, primero dar con el y luego comprarlo..creo que en formato caja de discos en una edicion española.

discos que escuchamos una y mil veces con un reparto expectacular de musicos.. alucinate !! hippys por todos lados fumando sin parar y dandose el lote con chicas llenas de flores en el pelo... menuda imaginacion la nuestra ehh,...aqui lo mas cerca de un hippy era esperar a los san fermines para ver a los extranjeros descalzos y completamente bolingas tirados en la plaza del castillo.. los mirabamos como quien cree estar en san francisco con el flower-power... lo dicho ...nuestra imaginacion viajaba sin parar imaginando aquel festival lleno de los mejores musicos del mundo, y hay estaba el bueno de richie havens abriendo el festival cantando a pelo en una silla con su guitarra de palo, su chilaba y su barba de profeta... como para no llamarnos la atencion !!

amo muchos de sus discos pero para mi el titulado " Alarm Clock " de 1971 es especial, no lo creereis pero lo llevo en mi coche y lo suele poner de vez en cuando..sere el unico en este pais ???.. es lo de menos..richie havens a llegado a todos los que amamos las emociones profundas, a los que escuchamos con su voz el lamento del esclavo quejandose, su voz unica intepreto docenas de celebres temas versionendolos como todo un especialista, escuchar las de beatles,dylan..

bueno richie... as cambiado de escenario y seguro actuaras en un gran festival rodeado de amigos que te esperan, cantaras temas como "End of the seasons" y haras llorar y emocionarse a todo el publico, yo, seguire recordadote como siempre con tus sandalias recorriendo el gran escenario de woodstock, que envidia...........

buen viaje

ZEPPELIN

*************

El cantautor estadounidense Richie Havens, el artista que abrió el mítico Festival de Woodstock de 1969 y una de las leyendas de la música folk de Estados Unidos, murió hoy de un ataque cardíaco a los 72 años, según informó su agente.
Havens falleció en su hogar de Jersey City (Nueva Jersey), según indicó a Efe el agente, Tim Drake, de la compañía The Roots Agency.
El cantante editó 29 discos durante su larga carrera, seis de ellos recopilaciones de temas antiguos.
Nacido en Brooklyn en enero de 1941, Havens comenzó su carrera musical en la escena musical del Village neoyorquino de comienzos de los años 60, en la que no era habitual encontrar intérpretes de raza negra.
Poco a poco se hizo un hueco por la intensidad de su interpretación y su peculiar forma de tocar la guitarra (incluso daba algunas claves sobre su estilo en su página de internet), de forma que se hizo un nombre en la revolución folk de la música estadounidense durante esa década.
Su consagración llegó en Woodstock, elegido para abrir el mítico festival de ese pueblo del estado de Nueva York, y que fue inmortalizado también en una película que hizo famoso a Havens por todo el mundo.
Havens tenía una de las voces "más reconocibles de la música popular", señaló The Roots Agency, quien recordó su estilo de interpretación "intenso, punzante y conmovedor", que se había mantenido "único y actual desde su histórica aparición en Woodstock", añadió la agencia.

Fallece Josetxo Ezponda, carismático líder de 'Los Bichos'

lo conoci.....ya ni me acuerdo en que año seria, en aquella pamplona gris apunto de explotar musicalmente donde habia que tener un par de cojones para que alquien como el saliese a la calle vestido y maquillado como iba josetxo.

siempre de punta en blanco, con sus chalecos y anchas mangas, sus camisas bordadas,sus ojos con kilos de rimel y marcando paquete como a nadie habiamos visto pisar con sus botines las desgastadas calles de nuestro casco viejo y sus mugrosos adoquines siempre humedos.

josetxo se convirtio en un personaje de esa vida cotidiana y nocturna del casco viejo que junto a otros tambien raros "bichos" muchos de ellos ya desàparecidos daban aliciente a las miles de horas que pase alli dentro.

solo podias ver algo similar a el en la tv y quien viajaba a inglaterra por deciros algo, aqui el personal estaba influenciado por el punk del lado rock radikal vasco, y la mezcla glam punk rock de josetxo ni lo habia y ni se esperaba.

lo vi muchas veces paseando en el chino,navarreria, y era vomo ver a alguien salido de una peli ...recuerdo un invierno con nieve que incluso ayude a montar un actuancion y vi la prueba de sonido en un bar llamado "singular" hace ya mil años.

siempre recuerdo que cuando tenia mi tienda DISCOS ZEPPELIN de 2ª mano y vinilos de coleccion en la calle san lorenzo, un dia aparecio a vender algunos de sus singles, pero digo los singles que el mismo habia grabado, flexis y demas.. me conto que tenia que pagar la luz de su casa que andaba sin un duro.

serian mitad de los 90 y le recorde sus tiempos en neon provos. josetxo seguia, por supuesto luciendo palmito,acicalado como siempre .. siempre ando jodido con las pelas..asi que al menos le ayude a pagarle alguna factura, por cierto eran singles que ahora serian joyas del coleccionismo y que ya no poseo.

se que ultimamente andaba bastante fastidiado por alguna notica que me habia llegado atraves de un amigo comun tambien musico legendario asi que aunque nunca tube un relacion directa con el, nos gustase o no su musica, lo admirabamos de algun modo por su valentia y coherencia dificil siempre de encontrar en musicos.

pamplona siempre fue y me temo sigue siendo de otro modo, una ciudad muy cateta y con una doble moral que llenaria el oceano..

el ayudo lo suyo desde luego a que muchos otros darian un paso adelante,perdieran complejos y miedos del que diran y apostaran por su musica, con o sin exito, se atreviesen a ser profetas en su tierra, cosa muy jodida aqui y si no que lo digan a los barricadas.. por ejemplo.

josetxo tubo su epoca de exito y yo lo veia rodeado de sus fans que lo acompañaban donde fuese, eran batante mas jovenes que el.

a le pillo como a mi, ese revival de los 90 con bandas garage,glam y punk primitivo que creo una generacion que yo llamo la generacion ruta 66, si,en efecto,.. la revista que los educo y guardo para mi la opinion que tengo del resultado..

pero como a toda buena estrella le llegan los años del anonimato,años duros donde ni se toca,ni se graban discos,ni se dan entrevistas y las cervezas se las paga uno mismo, años duros que seguro hicieron mella en el.

he conocido cientos de musicos, y a que pocos les sienta bien el exito o el olvido.. eso de que te aplaudan tiene que dar un subidon que cuando falta se convierte en una droga que no quieres dejar.

leo hoy muchas paginas donde se reseña su vida en la musica,sus formaciones y discos, pero nadie habla de su talento como dibujante.

yo lo descubri en esta faceta cuando aqui en pamplona en 1986 a alguien se le ocurrio celebrar unas jornadas sobre brujologia y demas fetiches.

lo mejor fue el cierre de estos dias brujos con un conciertazo donde actuo nada mas y nada menos que nina hagen junto a lene lovich..yo no me lo podia creer y por cierto fue un concierto increible con el anaitasuna lleno hasta la bandera..

pues el programa de tal evento lo diseño e ilustro de modo brillante el gran josetxo ezponda.

para mi una joya salida de este talento y que guardo como oro en paño, si os fijais muchas de sus portadas son realizadas por el con su estilo particular.

50 años !!! seguramente el mismo diria que ya no son años para un roquero y que vivir deprisa y dejar un cadaver bonito sigue siendo una gran frase hoy en dia todavia.

asi que josetxo a comenzado un nuevo viaje, un viaje directo a otro escenario que esta lleno de purpurina,pintado de rosa, con muchas luces y un publico que no para de aplaudir y de gritar... en el que de nuevo sera y ya para siempre la estrella que siempre fue.

zeppelin

------------------------------
**************************

Fallece Joqsetxo Ezponda, carismático líder de 'Los Bichos' El cuerpo de Ezponda, de 50 años, ha sido encontrado en su propio domicilio tras el aviso de una amiga del músico

El cuerpo de Josetxo Ezponda, de 50 años, ha sido encontrado en su domicilio tras el aviso de una amiga del músico. El músico Josetxo Ezponda, líder y cantante del influyente grupo de rock Los Bichos, ha sido hallado muerto este martes en su domicilio de Burlada (Navarra), según ha confirmado el Ayuntamiento de la localidad. PAMPLONA. El consistorio de Burlada, donde residía el músico, ha anunciado el fallecimiento a través de Twitter. Según fuentes de la Policía Foral, el cuerpo de Josetxo Ezponda, de 50 años, ha sido encontrado en su domicilio tras el aviso de una amiga del músico.

Aunque se desconocen las causas de su fallecimiento, todo apunta a una muerte natural al no haberse encontrado evidencias de violencia. Josetxo Ezponda, conocido desde hace décadas en el circuito musical navarro, fundó en 1978 el grupo Tensión, considerado el "primer grupo punk de Pamplona", según la discográfica vasca Oihuka. En 1987, formaría Los Bichos, donde era cantante y guitarrista.

El grupo, que apenas editaría dos discos en tres años de trayectoria, se convertiría a principios de los noventa en una banda de culto que influyó en las primeras generaciones del denominado "rock indie" en España. La discográfica Munster Records quisó recuperar el legado del conjunto navarro en 2006, con la edición del disco recopilatorio "1991-1988", donde el propio Josetxo Ezponda seleccionó las 36 canciones más representativas de la banda y escribió la biografía de Los Bichos acompañada de fotografías y material inédito.

Según fuentes cercanas al músico, los restos mortales serán incinerados antes de la celebración del funeral, este próximo jueves.

Fallece Alvin Lee de los Ten Years After

miércoles, 6 de marzo de 2013

Fallece Alvin Lee de los Ten Years After

uno mas que se nos marcha al paraiso de los sonidos que tanto hemos adorado.

a finales de los 90 yo vivia y fregaba platos en londres y tuve la suerte de ver la reunion de los ten years after originales en el mitico hammersmith odeon, hay es nada..

hay estaba yo entre cientos de fans ingleses entregados a un show que me dejo helado.

ya imaginais, uno sale del pueblo y aparece en londres, en el hammersmith odeon donde solo ver su fachada y los carteles de los conciertos, pasar por la puerta y pensar todos los conciertos ya historicos,discos grabados alli mismo..uno como yo se pone a temblar..

lo recuerdo muy fresco en mi memoria, con un autentico solo de bateria como los de antes se podria decir..mucho humo saliendo por todos lados y rodeando al bateria.. ahhhh--- increible.....

alvin saco la autentica guitarra roja del festival de woocktock con las pegatinas....yo seguia flipando sin parar...tocando con el mastil la pata del micro y asi haciendo el efecto slide.... joder !!!!!!!!

en fin...aquella noche, una noche mas en el londres que te engulle y que hace que estos sucesos sean cosas normales en una ciudad que engulle a cada minuto cosas similares...pero yo estaba alli !!!

fin de concierto , coje rapido el metro que se terminan muy rapido por la noche en este pais...y llega a tu cama en una lugubre casa,un lugubre barrio.. que, en pocas horas tienes que estar en un sotano fregando platos sin parar......eso si.aquella noche dormi con los sonidos del blues dentro de mi cabeza..

pocos tiempo despues pude ver a alvin lee en solitario en navarra, en para mi la peor sala de todos los tiempos, la sala gares, al pobre alvin lee le quemaron el pelo los focos del misero escenario al que le habia subido.. por supuesto no saco su guitarra roja de woocktock..pero esto ya es otra historia...

alvin donde estes.. sigue tocando sin parar......... !!

zeppelin

Alvin Lee nació con el nombre de Graham Barnes en Nottingham (Inglaterra) el 19 de diciembre de 1944 y murió el 6 de marzo de 2013. Fue miembro de la banda de blues y rock and roll Ten Years After.

Alvin empezó a tocar la guitarra a los 13 años y a principios de los sesenta formó un grupo llamado The Jaybirds con él como cantante y guitarrista más el bajista Leo Lyons, el batería Ric Lee y el teclista Chick Churchill. Antes habían tenido otros nombres como The Atomites, The Jaymen o The Jaycats. Fueron a tocar en el famoso Star-Club de Hamburgo, Alemania, y en 1966 regresaron a Londres donde pasaron a llamarse Jaybird, después Yard Blues para un concierto en el Marquee Club y finalmente Ten Years After. Gracias al festival Windsor Jazz and Blues tuvieron su primer contrato de grabación de un álbum de título homónimo editado por Decca en 1967 con el que pudieron girar por los Estados Unidos en 1968. Fueron uno de los grupos británicos que más tocaron en América del Norte, veintiocho veces en siete años. Uno de esos conciertos, el más famoso, tuvo lugar el domingo 17 de agosto de 1969 a partir de las nueve de la noche, en el festival de Woodstock, donde Alvin demostró sus extraordinarias dotes como guitarrista y cantante.

Su primer álbum fue producido por Gus Dudgeon y Mike Vernon, y en él versionaban una canción de Al Kooper con sus Blues Project “I can’t keep from crying, sometimes”. No consiguieron excesivo éxito. En cambio su siguiente trabajo, sí que tuvo una considerable repercusión. Se titula “Undead” (1968) y fue grabado en directo en el Klooks Kleek de Londres, mítico local de blues y R&B. En ese disco incluían uno de sus temas más famosos, “I’m going home”, una de las canciones que sonaron en el mencionado festival de Woodstock. El disco también incluía canciones como “I may be wrong but I won’t be wrong always” y “Spider in my web”. Después vendrían otros grandes discos como “Stonedhenge” (1969), con canciones como “Woman trouble” y “Going to try”, más “Ssssh” (1969) con temas sensacionales como "Bad Scene", “Good morning little school girl” y “I woke up this morning”.

En los setenta sacaron “Cricklewood Green” (1970), que contenía “Love like a man” y “50.000 miles beneath my brain”. Ese mismo año sacaron su último disco con Decca, “Watt” (1970). Firmaron con Chrysalis para editar “A Space In Time” (1971), en el que destaca la canción “I’d love to change the world”. Le seguiría “Rock’n’roll music to the world” (1973) y un directo llamado “Ten Years After Recorded Live” (1973). Ese año Alvin Lee grabaría con Mylon LeFevre el disco “On the road to freedom”.

Al año siguiente, 1974, fracasan con “Positive vibrations”, tras el cual deciden separarse. Ese mismo año Lee debutaría en solitario con el álbum “In flight” (1974). Los Ten Years After volverían a reunirse en los ochenta y grabarían nuevos trabajos como “Universal” (1988) y “About time” (1989). En 2003, Lee fue reemplazado en los Ten Years After por Joe Gooch. Alvin Lee siguió sacando más álbumes en solitario como “Free Fall” de 1980, “Detroit Diesel” (1985), “Zoom” (1992), “Nineteen Ninety-Four” (1994), “In Tennesssee” (2004) y “Sagitaar” (2007) más “Still on the Road to Freedom” (2012).

Durante su fructífera carrera artística colaboró con otros músicos como Bo Diddley, o John Mayall. Según su página web, Lee murió tras complicaciones a raíz de una intervención quirúrgica de rutina.

En este vídeo interpretan para la televisión el tema "Bad Scene" que abre su álbum "Ssssh" de 1969