AL KOOPER, ALGO QUE RESPIRAR....

Al Kooper - Come Down in Time -1971

Y ES QUE LLEVO MILES DE ESCUCHAS DE ESTE TEMA QUE ELTON JOHN COMPUSO ALLA EN SUS COMIENZOS.

APARECE DENTRO EN UNO DE AQUEL PUÑADO DE PRIMEROS DISCOS, TODOS ELLOS OBRAS MAESTRAS, UNA PRUEBA DE TODO ESTO ES ESTE TEMA QUE LOGRA EMOCIONARME Y PONERME LOS PELOS DE PUNTA, CLARO QUE AQUI LA VERSION ES DE UNO LOS MIOS, AL KOOPER QUE LA BORDA... JODER QUE ARREGLOS, QUE COROS,QUE SENSACION DE QUE DENTRO DE ESTE TEMA HAY TODA UNA EPOCA ENCERRADA EN 4:39 MINUTOS......Y QUE FINAL CON EL SOLO DE GUITARRA... GUAAAA, INCREIBLE AL KOOPER UNA VEZ MAS ME DEJA K.O. , DESCOMUNAL...LOS SONIDOS QUE CREA DENTRO DE ESTA CANCION INMENSA DE BELLEZA... SEGUIRE ESCUCHANDOLA OTRAS MIL VECES MAS.....

Al Kooper & Shuggie Otis - Lookin' For A Home 1969



ERA 1969 Y AL KOOPER JUNTO A EL HIJO DE JOHHNY OTIS CON SOLO 15 AÑOS GRABA UNO DE LOS MEJORES ALBUNES QUE YO NUNCA ESCUCHE.

ES COMO SI POR EL AZAR SE JUNTAN DOS FORMULAS Y DA COMO RESULTADO EL ORO, PERO ORO DEL MACIZO, ASI FUE ESTE DISCO DEL QUE ME ENAMORE EN SU PRIMERA ESCUCHA...

AQUI TENEIS ESTE TEMA QUE CADA VEZ QUE LO PONGO SE ME HIELA LA SANGRE.. O COMO QUERAIS DECIRLO....EL SOLO DE GUITARRA DE UN CRIO DE 15 AÑOS JUNTO AL MAESTRO, EL DIOS POR ENTONCES QUE PRODUCIA,TOCABA,COMPONIA Y MIL COSAS MAS QUE ERA AL KOOPER JUNTO A UN RECOMENDADO COMO SHUGIE OTIS QUE ERA LA PRIMERA VEZQUE GRABABA UN DISCOS..COMO YA IMAGINAIS DESDE ESE MOMENTO  FUE UN FETICHE PARA MI,  HE PASADO MI VIDA BUSCADO TODO LO QUE EXISTE EN ESTE PLANETA Y FUERA DE EL ....
AL KOOPER CANTA Y TOCA EL ORGANO CON EMOCION..

COMO TANTOS TEMAS SE ME HACE MUY CORTO..SERIA DE ESOS TEMAS QUE DEBERIA HABER DURADO NO MENOS DE MEDIA HORA,,,PERO DESPUES DE TODO QUEDA DISFRUTAR EL RESTO DEL DISCOS QUE..ATENCION POR QUE TU VIDA CAMBAIRA DESPUES DE ESCUCHARLO, PALABRA !!

Al Kooper-Jolie - 1973

UNA CANCION FELIZ...DE ESAS QUE TE ARRELA UN DESPERTAR. AL KOOPER DE NUEVO CON SENCILLEZ EN ESTA OCASION Y CON AL HAMMOND Y UNOS COROS QUE TE ENVUELVEN NOS METE EN ESTA PEQUEÑA LATA DE CONSERVA QUE ES UN LP UNA EMOCION, ASI DE SENCILLO Y ASI DE COMPLICADO.

 

Al Kooper- I Can Love A Woman - 1968

FUE SU PRIMER LP EN SOLITARIO Y AL SE MARCA UN DISCO QUE DEJA MAS QUE CLARO QUE ESTO DE PRODUCIR UN DISCO ES COSA SERIA.

DENTRO DEL ALBUN HAY MILES Y MILES DE EFECTOS,SONIDOS Y DEMAS INVENTOS QUE ME PRODUJERON SENSACIONES QUE NO CONOCIA HASTA ENTONCES...NADIE SABE LO QUE HE DISFRUTADO ESTE DEBUT ..DE UN YA PARA ENTONCES VETERANO QUE TENIA EL CULO PELADO DE ESCENARIOS CON OTROS GRUPOS...

AL HACE COMO EN OCASIONES HE LEIDO SU PARTICULAR SGT PEPPERS, UN DISCO DESCOMUNAL UNA VEZ MAS CON ARREGLOS DE CUERDA,VIENTO,VOCES, GALLOS,TORMENTAS..TODO LO QUE PUEDE SONAR ESTA AQUI DENTRO Y POR SUPUESTO HUELE A BEATLES COMO NO PODIA SER DE OTRO MODO...DISCO EMOCIONANTE, DE ESOS QUE SE DICE QUE SON PARA PONERSE UNOS CASCOS CON LA LUZ APAGADA Y PONER A VOLAR BIEN CON HUMO JAMAICANO O EN VUELO LIBRE...LO CIERTO ES QUE SIGO EN CADA ESCUCHA PREGUNTANDOME COMO ES POSIBLE CREAR DE ESTE MODO.

 

Bloomfield, Kooper, Stills - Super Session - - Albert's Shuffle - 1968 

 

ESTE ALBUN YA ESTA DENTRO DE MIS VENAS HACES MAS DE 30 AÑOS Y CIRCULA POR MI CUERPO DESDE ENTONCES COMO ALGO DE LO QUE NO PODRIA PRESCINDIR

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UN ALBUN QUE ME DESCUBRIO EL FELLING EN LAS JAMS SESSIONS, PODRIA DECIRSE QUE  POSEE ESE DUENDE , COMO LO LLAMAN LOS FLAMENCOS... CUANDO EN UN ESTUDIO SURGE LA MAGIA EN FORMA DE NOTAS MUSICALES QUE  EN ESTE CASO DE 3 TIPOS DEJARON PARA QUE SIGAMOS BOQUIABIERTOS DESDE AQUEL LEJANO 1968,

 

MI PRIMERA COPIA DE ESTA GRABACION FUEN EN CASSETTE HAY ES NADA..EL LP ERA CASI IMPOSIBLE DE LOCALIZAR Y CLARO ESTA SAQUE CHISPAS A LA CINTA.

 

SON DE ESOS POCOS DISCOS QUE CUANDO LO PONES LO TIENES QUE ESCUCHAR ENTERO..NO HAY MANERA DE DEJARLO DE ESCUCHAR..TEMA TRAS TEMA QUEDARA EN TU MEMORIA PARA SIEMPRE.

 

AL SE LUCE DE LO LINDO CON EL HAMMONDO Y TAMBIEN DESCUBRIMO EL PEDAZO DE GUITARRA QUE ES S. STILLS. DE MIKE BLOOMFIELD QUE VAMOS A DECIR, ES UNO DE MIS DIOSES ETERNOS AL QUE REZO CADA DIA...

 

SE TRATA DE UN DISCO QUE CADA DIA TENDRIAN QUE PONER EN LOS COLEGIOS A TODOS LOS NIÑOS PARA QUE CONOCIESEN UN EJEMPLO DE QUE ES LA BUENA MUSICA,  ES SIMPLEMENTE ESTO.

 

 

AL KOOPER - as the years go passing by - 1973

 

IMAGINO QUE COMO MUCHOS JOVENES DE LOS 60 AL KOOPER QUEDO IMPACTADO POR EL BLUES DE LOS NEGROS QUE ESCUCHABA TOCANDO EN LAS CALLES Y GARITOS, MUSICOS DESCONOCIDOS Y NADA VALORADOS PERO QUE A EL LE CAMBIARON LA VIDA Y LO HICIERON AFORTUNADAMENTE DEDICARSE A ESTE OFICIO.

 

ESTE TEMA ES UNA PRUEBA DE LO QUE COMENTO, SE TRATA DE UNA VERSION DE UN VIEJO STANDAR  QUE AL KOOPER LO ELEVA AL INFINITO EN ESTE SUBLIME SOLO DE GUITARRA QUE CORRE POR TODO EL DISCO Y QUE NOS LLEVA A UN FINAL APASIONATE, MUY EMOCIONATE QUE NOS TRASPASA POR ENTERO,

 

POR CIERTO LA GUITARRA LA TOCAL EL PROPIO AL KOOPER Y CONSIGUE QUE DE NUEVO NO PODAMOS CREER QUE ESTE TECLISTA SE MARQUE ESTE SOLO QUE LO HABRIA FIRMADO EL PROPIO MIKE BLOMFIELD..O POR SUPUESTO ALBERT KING

 

SE ME TERMINAN LOS ADJETIVOS PARA DESCRIBIR LO QUE SIENTO AL ESCUCHAR ESTE TEMA UNA VEZ MAS...

 

 

 

 

 

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A AL KOOPER PUDE SALUDARLE Y VERLE EN DIRECTO..... EN SU PRIMERA GIRA POR ESTE PAIS..PERO ESO ES OTRA HISTORIA, LOS GENIOS EN OCASIONES DEJAN DE SERLO CUANDO SALEN DE SUS DISCOS... Y ES QUE COMO SEGURO ALGUNOS ME ENTENDEREIS Y COMO DECIA UN AMIGO, ALGUNOS ESTAN MAS ALLA DE LA CUPULA DEL TRUENO...Y AL KOOPER NO ES UNA EXCEPCION.. FUE UN ENCUENTRO PECULIAR,DEJEMOSLO AQUI.

CONSEGUI ME FIRMARA UNOS 40 LPs ..PERO NO PENSEIS QUE SOY UN PESADO, EL SE SENTO EN UNA MESA PARA FIRMAR COMO UN AUTOMATA LO QUE LE PUSIERAN DELANTE ASI QUE HABIA QUE APROBECHAR....SU FIRMA ES COMO LA DE ALGUIEN QUE HACE UN JARABATO Y QUIERE ACABAR CUANTO ANTES, PERO BUENO, AL FINAL DEJO SU SEÑAL EN UNOS POCOS DE LOS..MAS DE 100 ALBUNES Y SESIONES QUE TENGO DE EL...

MI ENCUENTRO CON EL DARIA PARA CONTAROS MUCHO MAS..PERO LO DEJAREMOS PARA OTRA OCASION

AL KOOPER FUE Y SIGUE SIENDO COMO QUEDA CLARO EN LO ESCRITO ANTERIORMENTE UNO DE LOS MUSICOS QUE MAS ME AN IMPACTADO DESDE MUY JOVEN, EN LOS 80 BUSCABA SUS DISCOS POR TODOS LADOS Y PAISES DONDE VIAJABA, COSA ENTONCES ARTO COMPLICADA..Y NADA BARATA..

RECUERDO DOCENAS DE ANECDOTAS SIGUIENDOLE,PERSIGUIENDOLE Y AL FIN CUANDO CONSEGUIAS ESA PIEZA, LA EMOCION ...Y SABEIS UNA VEZ MAS DE LO QUE HABLO , ME HACIA QUE ME TEMBLARAN LAS MANOS......TODO ESTO Y SU MUSICA FORMA PARTE DE MI VIDA PARA SIEMPRE.


ZEPPELIN

Muere Johnny Winter, uno de los mios...

EN ESTOS MOMENTOS ME ENTERO DE UNA NOTICIAS QUE NO QUERIAMOS ESCUCHAR AUNQUE SABIAMOS QUE SU SALUD ERA MUY DELICADA AUNQUE JOHNNY SEGUIA SIN PARAR POR TODO EL MUNDO,GARITO A GARITO TOCANDO SIN PARAR....


YO PUDE VERLE EN VIVO EN DOS OCASIONES , EN LOS 90 VIAJE A ZARAGOZA A LO QUE LLAMABAN LA CARPA DE LA CHIMENEA Y FUERON APENAS 60 MTOS INCREIBLES, JOHNNY SE ENCONTRABA BIEN, QUIERO DECIR QUE TOCABA DE PIE Y MOVIENDOS EN EL ESCENARIO.
MI SEGUnDA OCaSION FUE EN LA SALA GARES ( PUENTE LA REINA ) EN NAVARRA Y YA JOHNNY PERMANECIO SENTADO TODA LA ACTuACION Y COMO DECIA DABA LA SENSACION DE ESTAR BASTANTE FASTIDIADO, PERO EL CONCIERTO DE NUEVO FUE MUY BUENO, MAS LARGO QUE EL ANTERIOR Y SEGUIA TOCANDO COMO UN POSESO.

ESTUvE BUENA PARTE DEL CONCIERTO DEBAJO DE EL, CASI LO TACABA SACANDOLE FOTOS Y FOTOS...

DE CHAVAL, JOHNNY ERA UNO DE ESOS TIPOS QUE A TODOS LOS QUE NOS HERVIA LA SANGRE CON LA MUSICA,LOS PELOS LARGOS,LAS HISTORIA DE MUSICOS DROGATAS..YA ME ENTENDEIS..COMO DECIA..ESTE ERA UNO DE LOS TIPOS QUE MAS NOS ATRAIA, JODER UN ALBINO TATUADO COMO NUNCA HABIAMOS VISTO TOCANDO LA GUITARRA Y CON EL PELO HASTA EL CULO...GENIAL !!!

CREO QUE MI PRIMER DISCO FUE EL DIRECTO LLAMADO Captured Live .. ALUCIANTE DIRECTO LLENO DE VERSIONES BRILLANTES...

TAMBIEN ME INTERESE POR SU HERMANO EDGAR WINTER, QUIZA NO TAN POPULAR PERO PARA MI TIENE UN PUÑADO DE DISCOS QUE SON OBRAS MAESTRAS..CON AQUELLA FUSION DE SOUL ROCK JAZZ QUE PRACTICABA..

EN FIN, QUE COMO HABLAMOS A VECES..ESTAN SIENDO Y VAN A SER ESTOS AÑOS, UNOS AÑOS DUROS DONDE MITOS VAN AIR CAMBIANDO DE ESCENARIO CAMINO DE UN OLIMPO REPLETO DE DIOSES PELUDOS Y QUE LLENARON MUCHOS AÑOS DE NUESTRA VIDA QUE SEGURO HABRIA SIDO DIFERENTE SIN ELLOS.

BUEN VIAJE JOHHNY

ZEPPELIN




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Los curiosos se quedaban con la anécdota: un músico albino, de larga y reluciente melena rubia, interpretando sucio blues de taberna. No se había visto cosa igual. Pero para los aficionados a la música había mucho más detrás de esa imagen inaudita: Johnny Winter, fallecido hoy a los 70 años en la ciudad suiza de Zúrich, según un comunicado oficial en su página de Facebook, era emblema del mejor blues-rock del último medio siglo, un experimentado pistolero a las cuerdas que, cuando estaba inspirado, ofrecía intensos pasajes de vieja escuela, a la altura de los maestros Muddy Waters o Jimi Hendrix.
Nacido en Beaumont, en el Estado de Texas, Winter se sintió atraído por la música desde niño. Apenas tenía 11 años cuando su padre le regaló su primera guitarra, que ya no soltó en la vida mientras en la radio de casa tenía todo el día sintonizados los programas de blues locales, que, a los finales de los cincuenta y principios de los sesenta, reproducían los más vibrantes sonidos de los pioneros.
Perteneciente a la prodigiosa escuela tejana, que tuvo en Lightnin’ Hopkins, Albert Collins o Freddie King a sus primeros agitadores, Winter se inició en la música profesional con grandes padrinos. Con 17 años ya tenía su propia banda, junto a su hermano Edgar, cuando una noche B.B. King le dejó tocar con él en un garito de Beaumont, cediéndole su querida guitarra Lucille. Su nombre empezó a sonar en el circuito pero nada comparado a cuando Mike Bloomfield, otro célebre guitarrista blanco de blues que perteneció a la incendiaria The Paul Butterfield Band y que Bob Dylan reclutó para dar forma a su mercurial sonido en Highway 61 revisited, le invitó a subir con él al escenario en Nueva York.
Aquella actuación en 1968 fue la conjunción de los astros. Rolling Stone le dedicó una apasionada reseña mientras, entre los asistentes, había ejecutivos de Columbia Records. Clive Davis, presidente de la compañía, le ofreció uno de los mayores adelantos económicos que jamás se había dado a un músico para que grabase un disco. Al año siguiente, publicaba su primer álbum, el trepidante Johnny Winter, y estaba tocando en Woodstock.

De alguna forma, Columbia buscaba al nuevo Jimi Hendrix, que había revolucionado el concepto del blues en la música popular. En pleno apogeo del blues-rock británico, con nombres como Eric Clapton, John Mayall, The Small Faces, The Who, The Pretty Things o Fleetmood Mac, Winter surgió como una respuesta de esencia norteamericana. En sus propias palabras, algunos pensaron que podría alcanzar la senda de los Rolling Stones. Pero siguió su propio camino, que luego también transitarían Stevie Ray Vaughan o ZZ Top y que partía de la tradición sureña, marcada por el calambrazo que se produce al encontrarse el rhythm and blues de carretera con el folk y el country más polvorientos, un estilo sustentado en el agudo y penetrante uso de la guitarra eléctrica, con potentes recreos que beben del blues primitivo salpicado de fieros riffs y tempos rápidos de swing.

Subido al carro del éxito en los setenta, el guitarrista tuvo que luchar contra dos caballos de batalla: la heroína, que le llevó a entrar y salir de clínicas de desintoxicación durante años, mermando su producción, y la fama entre los puristas de simple gran versionador de éxitos rock. A la historia han pasado sus revisiones de Highway 61 revisited de Bob Dylan, Johnny B. Goode de Chuck Berry, Great balls of fire de Jerry Lee Lewis o Jumpin’ Jack Flash de los Rolling Stones, entre otras. Por eso, se esforzó en arrimarse al blues de siempre, produciendo y tocando en la resurrección discográfica de Muddy Waters y publicando trabajos en los ochenta como Guitar slinger o Third degree, llenos de nervio.
En los últimos años, había sabido rodearse para editar sus discos. En Roots, publicado en 2011, le acompañaban Susan Tedeschi o Vince Gill. Y en septiembre está previsto que salga a la luz Step back, con la participación de Ben Harper y Eric Clapton. A pesar de los graves problemas de salud, era un hombre que no descansaba, manteniéndose activo hasta el último momento con actuaciones por todo el mundo, incluida España, que visitaba de manera habitual. La última vez, el pasado mayo. Famélico y extremadamente débil –viajaba con un médico en sus giras-, sorprendía verle encima de un escenario, donde todavía era capaz de sacar notas cortantes con su guitarra, como si el viejo pistolero, que estaba ciego de un ojo, pudiese todavía atinarte en toda la sien en un último movimiento.

Fallece a los 76 años el contrabajista de jazz Charlie Haden

Pude verle en varios ocasiones en directo, varias de ellas acompañando a pat metheny presentando una de las mas grandes obras maestras que jamas an pasado por mi oidos, el disco titulado Beyond the Missouri Sky (Short Stories) de 1997.

Se dice que hay discos que marcan en tu vida ( de pat methenty tengo varios, como no ) y este es uno de ellos, un disco que te hace volar por encima de todos los paisajes que describe su musica, un disco que miestras lo escuchas lo ves llorar de tanta emocion que encierran temas como el titulado: spiritual, que bien podria ser la banda sonora de estas lineas que quiero dejar aqui como testimonio o como no recordar la adactacion del tema central de la pelicula  Cinema Paradiso.

todo el disco es para enamorarse de estos dos musicos que aterrizaron en nuestro planeta para hacerlo mucho mejor y tambien para que todos nosotros tengamos al alcance de la mano la belleza en foma de canciones que nos an regalado.


Fue un musico profundo como pocos, arriesgado siempre, mistico en ocasiones y un gigante de la musica pero de los de verdad.

Para alquien como yo que se aficiono poco a poco hasta caer rendido en el jazz , musicos como charlie haden me confirmaron que es la musica mas bella,libre y profunda jamas creada.

buen viaje charlie
zeppelin

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Tras una larga enfermedad, el contrabajista de jazz Charlie Haden murió ayer (11 de julio) en Los Ángeles, a los 76 años. Haden se inició muy pronto en la música. A los dos años formó parte del espectáculo musical de country de sus padres, The Haden Family Band. La polio que padeció en la adolescencia le incapacitó para cantar, por lo que reorientó su carrera hacia el jazz y la música, aprendiendo a tocar el contrabajo.

En 1957, Haden se estableció en Los Ángeles, donde comenzó a trabajar con el pianista Paul Bley. Luego se unió al cuarteto de free jazz de Ornette Coleman, donde coincidió con Don Cherry y Billy Higgins. Pero su adicción a las drogas provocó que dejase el grupo en 1967.

Rehabilitado, se unió a Keith Jarrett en 1967 y en 1969 formó su propio grupo, The Liberation Music Orchestra , en el que se daban la mano la experimentación y la política. Carla Bley, Michael Mantler, Roswell Rudd y Gato Barbieri fueron algunos de sus miembros. Haden volvió a tocar con Ornette Coleman en 1976. En 1987 creó otra importante agrupación, Charlie Haden Quartet West. En los noventa colaboró con el guitarrista Pat Metheny. Cahrlie Haden deja unos veinte álbumes en solitario y más de ciento cincuenta en los que colaboró con otros músicos. En 2008 publicó el álbum “Ramblin’ Boy”, con el que regresó a sus raíces country.



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Fallece a los 70 años el mito del ‘r&b’ y del ‘soul’ Bobby Womack

A la hora de las necrológicas, abusamos tanto de las hipérboles que necesitaríamos nuevos adjetivos, metáforas frescas cuando toca destacar que ha desaparecido un gigante. Eso era exactamente Bobby Womack, que falleció el viernes mientras dormía. Tenía 70 años y una salud quebradiza: había superado recientemente un cáncer.
Su biografía era la propia de los grandes vocalistas de soul: el origen humilde (Cleveland, 1944) en una familia religiosa y el grupo familiar que pasó del gospel a la música profana. Como The Valentinos, fueron responsables de éxitos menores como It’s all over now, que los Rolling Stones escucharon cuando debutaron en Nueva York y grabaron inmediatamente: su versión alcanzaría el nº 1 en el Reino Unido, durante el verano de 1964. Fue un mal trago para Bobby, que se mitigaría al recibir los derechos de autor; con el tiempo, se convertiría en íntimo de la facción peligrosa de los Stones, Keith Richards y Ronnie Wood.
La trayectoria de los Valentinos descarriló rápido. Su protector era Sam Cooke, que murió acribillado ese mismo año, en un incidente derivado de su atracción por las faldas. Bobby se dedicó a consolar a la viuda, Barbara. Lo hizo tan a conciencia que, tres meses después del homicidio, Bobby y Barbara se casaban. En la comunidad negra, el escándalo fue tan enorme que Bobby se convirtió en un apestado para las radios.

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Bobby Womack, en concierto.

De alguna manera, esa antipatía le benefició: obligado a buscarse la vida, trabajó como guitarrista con músicos blancos, en los estudios sureños que nutrían de instrumentistas y material a Wilson Pickett o Aretha Franklin; ambos grabaron sus canciones. También colaboró con Janis Joplin en lo que sería su disco postumo, Pearl. Con el guitarrista húngaro Gabor Szabo compuso Breezin’ , luego fenomenal éxito para George Benson. Después de lanzar singles en varias compañías, realizó dos imaginativos elepés para el sello Minit, con recreaciones de California dreamin’ o Fly me to the moon.
Su soltura estilística le convirtió en cómplice del genial Sly Stone; puede que fuera en su casa-estudio de Los Ángeles dónde se habituó a la cocaína, una afición que afectaría seriamente a su carrera. Durante los años setenta, con United Artists, llegó al gran público. El tema principal del score de Across 110th street (en España, Pánico en la calle 110) sería una de sus canciones más duraderas : reaparecería -¡dos veces!- en la banda sonora de Jackie Brown, de Quentin Tarantino. Otro tema popular fue Harry Hippie, una crítica del modo de vida jipi.

No le importaba ir contra la corriente: se embarcó en aventuras como grabar canciones vaqueras (BW goes C & W, 1976). Eso no funcionó pero Bobby no se privaba a la hora de desarrollar una intuición. Superó el maremoto de la disco music con grabaciones para CBS y Arista. Ya trabajaba con el compositor Patrick Moten, que le facilitó resucitar creativa y comercialmente en Beverly Glen, donde lanzó The poet (1981), que tendría una segunda parte tres años después.
El resto de los años ochenta y todos los noventa no fueron buenos para Bobby. Dentro de su familia, fue eclipsado por su hermano Cecil, que triunfó grabando con su esposa como Womack & Womack. Con todo, Bobby seguía teniendo fuego en su voz y el olfato para las canciones que explicaban nítidamente un dilema moral y / o amoroso. Pero terminó dando bandazos entre compañías y géneros: intentando reconciliarse con su público original, publicó discos religiosos e incluso una colección navideña, en 2000.

Como suele ocurrir con las leyendas del soul, fue rescatado en el Reino Unido, donde sus discos nunca dejaron de reeditarse en recopilaciones cuidadas. Le devolvieron al estudio el dúo electrónico Rae & Christian y, de forma muy visible, el proyecto Gorillaz. De esas andanzas brotó una amistad con Damon Albarn que facilitó su rescate por XL Recordings: el jefe del sello, Richard Russell, y Albarn se esmeraron en la producción de su álbum de reaparición, The bravest man in the universe (2012), donde hasta cantaba con Lana del Rey.
Así que tuvo una coda digna. Gran narrador, volvió a contar sus extraordinarias vivencias a periodistas boquiabiertos y mostró en directo sus poderes como baladista con garra: estaba anunciado para el 24 de julio, dentro del festival Mar de Músicas. Se supone que dejó terminado otro disco, de título optimista (The best is yet to come), donde colaboraba con Stevie Wonder y el rapero Snoop Dogg. Una sorpresa -se había pasado décadas repudiando el rap- y, a la vez, un gesto muy propio de Bobby: siempre a la contra, incluso de sí mismo.

Muere Gerry Goffin, imprescindible letrista del pop norteamericano

Hubo un tiempo, allá por los años sesenta, que en la radio estadounidense sonaban todo tipo de fantásticas canciones pop, que se componían en una fabulosa cadena de montaje. Había compositores musicales, arreglistas, productores, músicos de sesión, vocalistas y, por supuesto, letristas. Gerry Goffin, fallecido ayer en Los Angeles a la edad de 75 años, fue uno de los más grandes letristas del cancionero norteamericano, ese Great American Songbook al que se refieren los estadounidenses para hablar de su legado musical más glorioso, aquel que ilustra el desarrollo de un país, donde la música forma parte de la banda sonora de su sociedad.
Nacido en 1939 en Brooklyn, Goffin se hizo célebre en el pop norteamericano gracias a su unión con Carole King, tres años menor y a la que conoció en el instituto cuando él iba para químico. Ambos se casaron en 1959. Como pareja artística, formaron una de las mejores asociaciones musicales de los primeros sesenta, poco antes del histórico desembarco de los Beatles, los Rolling Stones y el resto de grupos británicos en Norteamérica.
La marca Goffin & King despuntó bajo el techo del Brill Building, edificio localizado en Broadway y que fue la casa de toda una generación de maravillosos compositores, como Jerry Leiber, Mike Stoller, Doc Pomus, Mort Shuman, Burt Bacharach, Ellie Greenwich o Phil Spector. Todos ellos y alguno más fueron los emblemas del sonido Brill Building, que fue la música que llenó los radiales de finales de los 50 y los 60 con pop estiloso y mestizo, añadiendo ecos del jazz y la música clásica europea, matices de los ritmos latinos y, sobre todo, desarrollando un amor declarado por el fascinante cancionero negro.
En su función de letrista, Goffin, con la ayuda musical de King, fue uno de los más entregados a la causa de este pop, como bien se pudo comprobar con su primer éxito Will You still love me tomorrow, interpretado por The Shirelles, que al principio se negaron a grabarlo por su aire country, y que se convirtió en 1961 en el primer número uno cantado por un grupo femenino afroamericano. Una de las composiciones paradigma de la edad dorada del pop, que tanto iluminó a los Beatles y demás acólitos, surgió de la cotidianidad de una pareja llena de talento.

Goffin llegó por la noche al apartamento y King le había dejado una grabación en la que se oía solo la melodía al piano. El letrista se puso a hilar palabras y escribió un tema con un mensaje de amor ecuménico, de gran tensión emocional, perfecto para el joven público femenino, que era el mayor consumidor de música pop del momento. Con su peculiar estilo, Goffin era capaz de llegar a la psicología femenina pero lo que era más importante: las ansiedades y los anhelos que guardaban sus letras podían captar la mentalidad a la que se refería Norman Mailer en su ensayo The White Negro, esa que guardaba las contradicciones de la propia cultura popular norteamericana de los sesenta, que abría brechas insalvables con el puritanismo.
King y Goffin arrancaban una carrera plagada de canciones redondas, enigmas de este pop imperecedero, como (You make me feel like) a natural woman de Aretha Franklin, Some kind of wonderful de The Drifters, The Loco-motion de Little Eva, Pleasant valley Sunday de The Monkees o Crying in the Rain de The Everly Brothers.
En 1968, Goffin y King se separaron, pero su actividad no cesó. Consiguió importantes éxitos con I've got to use my imagination de Gladys Knight and the Pips, Theme from mahogany (do you know where you're going to) de Diana Ross y Saving all my love for you de Whitney Houston. En 1990, ingresó en el salón de la Fama del Rock’n’Roll. Era una forma de reconocer el magnífico legado de este letrista, que moldeó emociones con su lírica evocadora, que formó parte de aquella época en la que las canciones pop eran bellas postales sentimentales, tan bellas y admirables que, medio siglo después, todavía suenan con la inocencia y la magia de la primera vez.

PACO DE LUCIA

 

 

Es dificil para mi dar titulo a esta lineas,escribiendo como sabeis que a muerto paco de lucia y que quien lo lea llegue a pensar que a desaparecido un musico, una persona unica y diferente a todos los mortales como yo. paco no a muerto, paco descansa de una larga vida dedicada a quiza la musica mas grande y profunda conocida, el flamenco.

 

Yo siempre quise ser con el, el flamenco me atrapo hace años y siempre me quede con la boca abierta escuchando sus letras y lo que decian sus figuras...con ese poder de decir mucho con pocas palabras..paco es un figura, un enigma con una guitarra entre las manos y que apenas decia una palabra a su publico, siempre apasionado que acudia a verlo en vivo como pude comprobar durmiendo dias antes en las taquillas, un campo solo abonado hoy dia para fenomenos de infantiles fans.

 

 En 3 ocasiones que he tenido la suerte de verle en directo. la primera vez en el velodromo anoeta de san sebastian en 1981 junto con su grupo donde estaba su hermano pepe lucia y tambien john mclaughlin con el que toco algunos temas, despues vendria el concierto de Santana y claro, quien va olvidar aquel dia.

 

yo tenia 17 años y fui en tren como quien viajaba al paraiso prometido, y lo encontre.

 

muchos años despues lo vi en el festival de jazz en vitoria y tambien en el baluarte de pamplona donde estuvo.magistral.

 

Todos los seguidores de paco conocemos su historia y como le ponian a el solo en un avion  para que aterrizara en norte american siendo aun un niño y diese sus conciertos deslumbrando a el publico de medio mundo, de sus andanzas con camaron que tambien tuve la suerte de verlo en vivo poco antes de morir junto a tomatito o de semi retiro en ls playas de cancun.

 

Y por que no decirlo, no puedo callarmelo,  una vez mas este pais a sido desagradecido con para muchos el mejor guitarra flamenco de todos los tiempos.

 

Un pais gobernado por politicos estafadores que odian la cultura y tratan de acultar todo lo que se le parezca, ellos manejan el dinero,deciden las programaciones de festivales, tv, etc...y por lo tanto solo los vereis entregando copas de futbol y besando niños en campañas electorales.

 

siento el asco mas grande por todos ellos que poco a poco van modelando el ciudadano sumiso y analfabeto que vemos como aplauden un gol que meten con el culo, que nunca compro un disco de paco pero si una camiseta  a precio de caviar de cualquier millonario que da patadas al balon.

 

Como decia, paco descansa de una vida plena de alegria y de exitos junto a sus niños con los que jugaba en la playa algo cansado de tantos viajes y de esa carga que es ser un idolo, un dios, un mostruo del flamenco, decidio tumbarse en la arena y mirar al cielo lleno de gaviotas

 

ZEPPELIN.

felicidades JOSE por tus "solo" 37 años !!!!!

 

Aqui esta la prueba, Jose a llegado a los 37 años, asi pues le  queremos agradecer toda su ayuda y lo que hace por esta locura que fue crear una web dedicada al mundo del vinilo llamada DISCOS ZEPPELIN !!

 

Y como de agradecimientos no se come le hemos enviado una tarta tuneada que a esta hora ya es historia.

 

El es un tipo enamorado de los CRAMPS y sus ligeros, del rock mas sucio y primitivo, ese rock que a muchos nos a tumbado al lado de un escenario sujetando una cerbeza con los oidos taladrados por los bafles a un cm de la cabeza.....ahhhhh..que hay mejor en la vida.....???

 

 

Adiós a Pete Seeger, el último héroe del folk

Hubo un tiempo en el que la música fue un arma poderosa, una herramienta por el cambio. Ese tiempo, en el que la música necesitó más héroes que iconos, vio surgir a dos hombres dispuestos a combatir. Aquellos hombres fueron Woody Guthrie y Pete Seeger. Seeger ha muerto este lunes en Nueva York a los 94 años de edad dejando un inmenso legado que le convierte en una de las figuras más importantes y respetadas de la música estadounidense y en un luchador por la justicia y la igualdad.

Comunista convencido, tuvo que declarar por ello durante la caza de brujas del senador McCarthy, Seeger siempre se alineó con los débiles, con las causas que merecían ser luchadas. Se opuso, junto a Guthrie, a la Segunda Guerra Mundial hasta que el fantasma del nazismo se convirtió en el gran peligro de la época. También estaría en contra de la Guerra de Vietnam, siendo un referente para los músicos más jóvenes, y apoyó a los afroamericanos en su conquista de los Derechos Civiles. Pero Pete Seeger no solamente miraba a su tierra, también dejaría su pensamiento sobre la Guerra Civil Española con un disco dedicado a las canciones del frente Republicano cuando formaba parte de los Almanac Singers. ‘Songs of the Lincoln Battalion’, publicado en 1948, contiene canciones como ‘Viva la Quinta Brigada’, ‘La internacional’, o ‘El valle del Járama’.

Pete Seeger combatiría con canciones, con letras sencillas y directas que mostraban su mensaje sin artificios. Guitarrista avanzado, su música iluminaría el camino a miles de jóvenes que durante los sesenta vieron en su obra el poder de la música. Sus grandes canciones irían componiendo la banda sonora de una de las épocas más convulsas de los Estados Unidos y pasando de generación en generación ganando fuerza hasta hacerse inmortales.

Canciones como ‘If I had a hammer’, compuesta cuando estaba en The Weavers, irían destinadas a remover conciencias. En los sesenta compondría dos de sus obras más simbólicas. ‘Turn, turn turn’, popularizada por artistas más jóvenes como The Byrds o Joan Baez, sería uno de sus grandes éxitos junto a ‘We shall overcome’, el tema que daría nombre al álbum que le dedicó Bruce Springsteen en 2006.

Pero el legado de Seeger es más personal que musical. Su figura, con el paso de los años, se fue agrandando hasta convertirse en leyenda. No solo fue el gran padre del folk, el referente de sus músicos, el peso de Seeger va más allá. Su gran aportación a la música fue dotarla de un mensaje, uno hermoso de igualdad y justicia, y convertir las canciones en himnos de guerra, de batalla, de rabia. Su obra sería imparable, poderosa, repleta de intención. Pete Seeger fue más que un cantante, que un artista, fue un luchador con guitarra, un guía para miles de artistas en todo el mundo que verían en su figura el poder que la música podía llegar a alcanzar.

Los logros en la carrera de Pete Seeger serían enormes, su reconocimiento en vida también lo sería tanto en lo musical como en su lucha política. En las últimas décadas también ha recibido el reconocimiento de sus compañeros de profesión. No solamente por el álbum de Springsteen, en 1998 se publicó ‘Where Have All the Flowers Gone: the Songs of Pete Seeger’, un sincero homenaje musical en el que participan decenas de músicos que tomaron el testigo de las batallas de Seeger, un comunista convencido en un país que odiaba el comunismo, un luchador infatigable que cambió el fusil por la guitarra, un pionero, un valiente, un músico, por desgracia, de otra época. Hoy dicen las noticias que ha muerto Pete Seeger, el último héroe del folk se ha ido. Esta noche se encenderán velas en el Greenwich Village de Nueva York y jóvenes melenudos volverán a Washington Square Park a tocar sus viejas canciones y quizá alguno retome sus batallas.

 

Pete Seeger con Neil Young en 2013

Dedicatoria de Bruce Springsteen en el 90 cumpleaños de Seeger

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